LUA DE LARVAS: 

NOVOS TEMAS PARA O FIM DE TUDO

Sally Gardner já representa um grande nome na literatura juvenil mundial, mas em Lua de larvas (Maggot Moon - 2012), seu tom geralmente fofo e descontraído dá lugar uma trama forte e sensível sobre os dramas vividos pelo protagonista Standish em um universo distópico orquestrado pelo regime da Terra Mãe.

Nosso herói tem as piores características para um regime totalitário: disléxico (Sally Gardner sabe como é), franzino, "burro" e com um olho de cada cor. A perseguição dos colegas da escola torna-se inevitável e reflete todo o sistema de vigilância da população sobre o diferente, o anormal.

A vida de Standish muda com a chegada de Hector. A sua chegada marca não apenas a transformação da vida do menino como de toda a trama desenvolvida na cidade. (não posso revelar muitas coisas porque o efeito da surpresa de alguns segredos dão sal ao livro). Os dois se envolvem como amigos-amantes, mas logo Hector é levado e o clímax da história acontece.

Standish, para salvar o amigo, auxilia numa trama política organizada pelo avô, a professora e os pais de Hector. A sua ousadia o leva a completar o plano e terminar  a história da maneira como as distopias comumente culminam: a não esperança - o fim inevitável - a miséria humana.

Todo o livro é narrado em primeira pessoa, o que mais me incomodou na obra. O narrador descreve constantemente sua incapacidade de comunicação, chamando-se de burro e ignorante diversas vezes. No entanto há uma contradição nesta afirmação: sua descrição como narrador, além das diversas citações bem colocadas e as metáforas alinhadas, entregam um menino que apesar da dislexia não carece de domínio da escrita. 

A trama parece concentrar no amor nutrido por Standish e Hector, resultando, inclusive, no beijo fraco (pela condição dos dois na cena) e rápido próximo ao fim do livro. A relação dos dois parece bastante deficiente e não sustenta uma possível paixão mordaz. Ao contrário, parece que o narrador insiste no drama que a presença e fala de Hector nega constantemente. O beijo parece suscitar algo escondido ou até mesmo ainda não desenvolvido.

A amizade dos dois, no entanto, parece ser fundamental para o desenrolar da trama e do drama na obra.

Os sonhos de Standish - de um lugar mágico e rico, como da TV - constroem uma imaginação bastante rica para o menino e serve de apelo onírico para o leitor que se vê, ao fim, acordado e conduzido ao choro.

O ponto alto, ao meu ver, do livro é o projeto gráfico. Ao longo do texto, desenhos (feitos lindamente por Julian Crouch) de uma mosca que deposita seus ovos em um rato, morto por veneno, levam as larvas a consumir o rato. Uma das larvas se transforma em uma mosca e o ciclo, do livro, parece retornar ao início - uma mosca, solitária pela página. 

Esta dupla narrativa torna a experiência dramática de Standish extremamente angustiante. O menino parece procurar uma esperança na terra imaginária de coca-cola, mas o ciclo destrutivo das larvas parece propor, e o faz com primazia, o rompimento de qualquer ideal de vida - é tudo a mesma gosma!

Os parágrafos de Lua de Larvas são curtos e conduzem rapidamente pela história deixando diversos espaços para o leitor, o que torna a leitura agradável e muito eficaz para um processo de letramento literário nas escolas. 

Enfim, eis um texto interessante e com conteúdo inovador que, apesar dos deslizes, me parece eficaz para estar em sala de aula - discutindo a relevância da voz juvenil, o amor, a diferença, e a esperança diante de uma humanidade cíclica e nada motivadora. 

LITERATELA REALIZA PRIMEIRO CONTATO COM ALUNOS NO ANO LETIVO DE 2016

Mais de 500 alunos apresentados ao projeto do Universidade Sem Fronteiras

Por Lincoln Felipe Freitas

Nesta quarta-feira, 02 de março, bolsistas realizaram o primeiro contato com os alunos do Colégio Estadual Nossa Senhora das Graças, colégio que acolherá as atividades do projeto. Recebidos gentilmente e com grande entusiasmo pelo diretor Prof. Maurício Messias, pela diretora auxiliar Profª Rosana de Oliveira Martins e pela pedagoga Profª Thais Cristina Waiga, os membros do grupo Literatela desenvolveram nos três turnos, apresentações das propostas de atividades para o primeiro semestre do ano letivo de 2016.

            Foram ao todo dezesseis turmas, totalizando mais de 500 alunos. Foram três propostas apresentadas, sendo que os alunos, de acordo com direcionamento do grupo de bolsistas,  poderão optar por uma das atividades que serão realizadas em contra turno, em sala multimídia cedida pelo colégio. Por questão estratégica e devido aos recursos de espaço e para melhor organização e aproveitamento das atividades, o grupo Literatela, em conjunto da direção e equipe pedagógica do colégio, em reunião realizada no dia 26 de Fevereiro, decidiram limitar as atividades em número de 30 vagas, as quais serão preenchidas mediante inscrição dos alunos. Espera-se assim, que o projeto possa abranger todos os alunos que realmente apresentem interesse nas atividades extracurriculares oferecidas pelo grupo do Universidade Sem Fronteiras.

No turno da manhã e noite, Allan Motta de Lima e Lincoln Felipe Freitas, acompanhados pela bolsista Rafaely Soares e pelo Prof. Phellip Willian de Paula Gruber (no período da manhã) e pela coordenadora, Profª Drª Silvana Oliveira (no período noturno), tiveram a oportunidade de uma fala direcionada aos alunos dos 8^os e 9^os anos do ensino fundamental e todo o ensino médio. Foram dois os subprojetos apresentados. Um deles, proposto por Allan, pretende trabalhar com o tema “Distopia”, na literatura e no cinema. Textos literários como 1984 e Revolução dos bichos, ambos do autor inglês George Orwell, serão trabalhados em sala, em conjunto com obras cinematográficas como Matrix, Mad Max: estrada da fúria (2015) e o documentário Obsolência programada. Além disso, serão utilizados textos de embasamento teórico para as discussões propostas pelo professor em conjunto dos alunos. Como produção final, o subprojeto trabalhará com a produção de um documentário, no qual as questões discutidas dentro dos meses de trabalho serão, por fim, expostas. Já o outro subprojeto, destinado às duas séries finais do ensino fundamental e ao ensino médio, foi a proposta de Lincoln. Trazendo uma obra do cânone da literatura brasileira, a atividade buscará leituras e releituras de Dom Casmurro, de Machado de Assis.  Tendo a microssérie Capitu (2008) como segunda obra base para os estudos que serão desenvolvidos, almeja-se, junto dos alunos, encontrar, através de leituras compartilhadas e críticas, traços de encenação e teatralidade na obra machadiana em questão. Serão ativados vários conhecimentos e várias estratégias de leitura serão postas em prática pelos alunos, que como produção final do subprojeto, serão desafiados a, junto do professor, organizar uma apresentação oral encenada, aos moldes de teatro, baseando-se nas obras estudadas.

No período da tarde, Mariane Schila, acompanhada pelos bolsistas Allan e Lincoln, e pelos professores Phellip e Silvana, teve seu espaço para apresentar a sua proposta de trabalho junto dos 7 ^os anos. Foram quatro turmas apresentadas à proposta que consiste em um estudo da linguagem poética, expressa por diferentes meios, sejam eles literários, cinematográficos ou até mesmo através da música, da dança. O enfoque será o texto poético, com suas diversas facetas e exigências próprias de leitura. Como uma leitora de poesia desde pequena, Mariane pretende sensibilizar os alunos através de sua proposta de atividade, a qual será realizada também em contra turno. Como produção final, propõe-se a produção de vídeos em que os alunos, após os estudos junto da professora, apresentarão poemas, acompanhados de imagens e músicas. Em paralelo à proposta de Mariane, ocorrerá o trabalho da bolsista Rafaely Soares, que se ocupará de um grupo já fixo e direcionado pela pedagoga Profª Thais. O grupo faz parte do programa Mais Educação, que tem atividades em contra turno voltadas para os alunos dos  6 ^os anos, e alguns do 7º. Rafaely pretende, assim como Mariane, trabalhar com o texto poético. Os alunos serão apresentados a diversos nomes da poesia, e serão incentivados à leitura de poemas e pesquisa de outros autores.  Além disso, obras cinematográficas embasarão o trabalho com a linguagem poética.

As inscrições para os subprojetos ocorrerão nos dias 03 (quinta-feira) e 04 (sexta-feira) em horário de aula. Com total de quatro subprojetos ocorrendo ao longo do semestre, pretende-se alcançar mais de 100 alunos. Além disso, serão realizadas atividades pontuais em horário regular de aula, com acordo de antemão firmado com os professores que se mostraram extremamente abertos para a execução do projeto. Muitos declararam: “Disse para meus alunos que se eles têm a oportunidade de participar de uma atividade diferenciada sobre literatura e cinema, e principalmente de forma gratuita, não podem deixá-la passar.” Assim, além dos alunos inscritos nas atividades em contra turno, os demais que por ventura não tiveram disponibilidade para as propostas, poderão ser atingidos pelo projeto do Universidade Sem Fronteiras. Cheios de gratidão ao Colégio Estadual Nossa Senhora das Graças, ao corpo docente e funcionários da instituição, e principalmente à SETI, pelo apoio financeiro, e à UEPG e seu programa de apoio às licenciaturas, o bolsistas e a coordenação preparam-se na próxima semana para o trabalho que virá. Com um solo fértil pronto para a semeadura, o projeto Literatela toma em mão suas primeiras sementes.

Playlist literária: canções de Chico Buarque como trilha sonora para exercícios ficcionais e interpretações insuspeitadas

Por Lincoln Felipe Freitas

Essa história está diferente: dez contos para canções de Chico Buarque é um trabalho organizado pelo escritor e jornalista Ronaldo Bressane, autor de Céu de Lúcifer (Azougue, 2003). O título, lançado pela Companhia das Letras, traz dez escritores que foram desafiados a recriar o cancioneiro do compositor carioca, Chico Buarque de Holanda, dando a luz criações em prosa que traduzissem, de acordo com a proposta de cada autor, o imaginário buarquiano. O resultado, longe do óbvio, foram comunicações independentes mas que utilizaram os versos de Buarque como cenário, pano de fundo ou atmosfera, trilha sonora ou até as canções como mote do conto. A antologia contou com dez grandes nomes da literatura, não só brasileira, como de outras nacionalidades, universalizando o pensamento de Buarque, com olhos de fora para o cenário carioca apresentado por Chico em suas canções.

Figuram aqui, personalidades longe do cenário carioca, sendo que Carola Saavedra é a mais próxima disso, vivendo no Rio de Janeiro, mas de origens chilenas. Outros convocados foram o bonaerense Alan Pauls; André Sant’ana, mineiro enraizado no cenário paulista; Cadão Volpato, paulistano; João Gilberto Noll, gaúcho porto-alegrense; Luis Fernando Veríssimo, outro de Rio Grande do Sul; Mario Bellatin, mexicano com longa vivência no Peru; Mia Couto, moçambicano, um dos nomes da África literária; Rodrigo Fresán, portenho que habita em Barcelona; e Xico Sá, cearense, com pés no Rio e São Paulo.

Por seu caráter multifacetado, a obra do compositor brasileiro, teve nos olhos de escritores estrangeiros à sua realidade (mesmo os brasileiros que fizeram parte do projeto) diferentes acepções. Como exemplo, trago aqui algumas considerações sobre alguns dos contos trazidos na antologia. Começando por André Sant’ana, com mãos de mago, pode-se dizer que trouxe a canção Brejo da Cruz no conto intitulado Lodaçal, mostrando-nos, assim como a canção, a história dos meninos que “se alimentavam de luz”, conto extenso e denso, que apresenta com exatidão os delírios das personagens. “Imagine o Chiquinho e o Toninho em um lugar assim muito louco, a maior loucura, cara, com aqueles caras todos vestidos de preto, cheios de cabelos meio assim, e roupas todas assim, músicas dessas assim pra mexer com a vida interior bem com força, pá pá pá, o Chiquinho e o Toninho sentindo muito aquele troço, uns sujeitos de lugar algum, lugar do tipo um lodaçal com uma cruz no meio, num lugar como esse, a maior loucura, ...” (p. 41). No conto, somos questionados sobre o tudo, o nada, sobre a vida interior, e a questão maior: “Poesia isso?”, e aqui, como enredo do conto temos a própria canção de Chico Buarque, de tom político violento, em que o vaivém de pessoas, de personalidades mutantes, inconstantes, indiferentes, com suas colocações e poucos questionamentos, pouco se dão aos meninos que alucinam, eletrizados, azuis, desencarnando, lá no Brejo da Cruz.

Em Entrelaces, Carola Saavedra, narra em linguajar cotidiano a discussão de u m casal, sem filhos, sobre sua relação, convivência e expectativas, trazendo versões de câmera subjetiva sob as perspectivas das duas personagens. “Um casal. Um apartamento. Uma cidade qualquer. Ela, cabelos desgrenhados, rosto sem maquiagem, uma camiseta, uma calça jeans. Ele, uma camiseta, uma calça jeans. Os dois sentados à mesa da cozinha, sobre a mesa o jornal do dia anterior, uma revista de decoração, uma garrafa térmica com café, duas xícaras.” (p. 100) Nada de surpreendente a um primeiro momento, visto a introdução dada pela autora. Porém, como forma de sobreposição dos dois olhares sobre o mesmo acontecimento, Saavedra lança mão de um recurso, talvez não inovador, mas muito condizente com sua proposta: a repetição, aqui digo repetição propriamente, a escrita que se repete, da mesma cena. Então, quando Dani se levanta vai até a geladeira e apanha uma maçã, na versão ele e na versão ela (forma como a escritora organiza o conto) a cena é praticamente a mesma, descrita da mesma forma, tendo nos diálogos a alteração do ponto de vista. Após longo tempo de discussão, no aparelho de som, descrito no final do conto, a música Mil Perdões de Buarque se faz essencial para o fim da briga, os dois dançam, Gustavo e Dani, questionando-se contrariados sobre a canção que os embala. “Te perdoo / por contares minhas horas / nas minhas demoras por aí / te perdoo / te perdoo porque choras / quando eu choro de rir / te perdoo / por te trair.” (trecho de Mil Perdões).

Luis Fernando Verissimo, por sua vez, traz, já no título, a correspondência exata com a canção do compositor carioca: Feijoada Completa. Com o bom humor característico do autor gaúcho, vemos os diálogos da própria música sendo utilizados para criar o cenário de Pedro, que, aos sábados, leva seus amigos para a feijoada, preparada sempre pela esposa, Carolina. “Mulher / você vai gostar / tô levando uns amigos pra conversar / eles vão com uma fome que nem me contem / eles vão com uma sede de anteontem / salta cerveja estupidamente gelada prum batalhão / e vamos botar água no feijão.” (trecho de Feijoada Completa de Chico Buarque.) Um dos motores da trama é o fato de que Carolina está farta do casamento e do marido, e em fúria escreve uma carta em que diz que “não aguenta mais, que chega”. Influenciada pela amiga Milene, Carol faz a malas e sai de casa, mas se arrepende e volta às pressas para preparar a tradicional feijoada aos amigos de Pedro. Todos aproveitam o almoço, como é de costume aos sábados, mas Carolina, farta, sabe que o marido é um fardo, e que será ainda mais infeliz ao seu lado, tranca-se no banheiro e aí é questionada pelo marido, que ainda não havia lido a carta: “Carol, que envelope é esse em cima do meu travesseiro?” (p. 173) Aqui, a mulher retratada na canção Feijoada completa, de Chico Buarque, é da mesma forma aquela que deve servir ao marido, especificamente na feijoada, deixando com que seus sentimentos e expectativas com relação ao casamento passem para segundo plano. Ela é aquela que deve preparar as linguiças de tira-gosto, fritar um montão de torresmo, fazer o arroz branco, farofa e malagueta, e sempre botar água no feijão.

Mia Couto, amante assumido da música e literatura brasileira, escreve o conto Olhos nus: olhos  com clara referência à canção Olhos nos olhos, de Buarque. Como observação pessoal, que talvez passe despercebido para muitos leitores, o interessante nesse conto é que duas das três personagens são claras referências a grandes nomes da literatura brasileira: Clarice (em referência a Clarice Lispector), a mulher abandonada, sozinha e reflexiva; João Rosa (nome do mineiro João Guimarães Rosa) o ex-marido que sabe que não existe possibilidade de se separar verdadeiramente de alguém; e Adélia, por fim, a nova esposa de João. No conto, o ex-marido é sedutor, e possui histórico de se envolver com várias mulheres e não lembrar-se dos seus nomes, quem sabe por nunca ter amado alguém de verdade, exceto Clarice. Como forma de fugir de seu amor por Clarice, João Rosa resolve entregar-se a uma nova paixão, Adélia. O entrelace dos dois amantes se dá muito pela gramática refinada de João Rosa (aqui uma boa referência ao escritor mineiro que sabia muito bem malear a língua a seu favor), e por seu caráter galanteador, através de suas poesias, as quais Adélia por vezes não compreende completamente. O conto se desenvolve nessa linha: a paixão de João Rosa e Adélia, e o verdadeiro amor dele por Clarice, um conflito torturante. “Clarice sabia: amar é um verbo sem passado. Uma vez tendo amado nunca mais se deixa de amar. [...] Amar e viver são verbos sem pretérito.” (p. 210). O conto, envolvente, denso, apaixonante, é finalizado em tom de Buarque: “Eu estou cego, Clarice! / - Você está apenas chorando, meu querido. / - Chorando, eu? / - Eu sei. Porque esses, no seu rosto, são os meus olhos. E lágrimas que não eram suas desceram como gota de chuva em vidro de janela.” (p. 210). Em versos do compositor: “Quando você me quiser rever / já vai me encontrar refeita, pode crer / olhos nos olhos, quero ver o que você faz / ao sentir que sem você eu passo bem demais.” (Trecho de Olhos nos olhos, de Chico Buarque). Passagens que traduzem juntas os olhares trocados de escritor moçambicano e o músico brasileiro.

Além dos contos aos quais fiz algumas considerações acima, os outros seis, são: O direito de ler enquanto se janta sozinho, de Alan Pauls com bases na canção Ela faz Cinema; Carioca, de Cadão Volpato, baseado na música homônima de Buarque; A Calça Branca, de autoria de João Gilberto Noll, com referência à canção As vitrines; Os fantasmas do massagista, de Mario Bellatin, inspirado na música Construção; A mulher dos meus sonhos e outros sonhos, do escritor Rodrigo Fresán, com base na canção Outros sonhos; e por fim Um corte de cetim, de Xico Sá, inspirado na canção Folhetim. Pode-se dizer, utilizando aqui as palavras do organizador, de modo geral, “Mais que mera trilha sonora para exercícios ficcionais, a obra de Chico Buarque se abre para interpretações insuspeitadas neste álbum, quer dizer, nesta antologia. E a nós resta pedir bis.” (aba do livro). E sim, como leitor,  peço bis. Uma leitura ao som da MPB, ou então a MPB fluindo nas linhas prosaicas das mãos inventivas das mais diversas personalidades. Uma boa pedida.

Título: Essa história está diferente: dez contos para canções de Chico Buarque

Editora: Companhia das Letras

Ano: 2010

Páginas: 261

Valor: entre R$40 e R$46

Para onde essa portinha leva?

por Mariane Schila

                Em uma de minhas buscas para uma nova ventura, deparei-me com esse livro que me chamou a atenção pelo nome e a ilustração de uma menina com botões no lugar dos olhos. Coraline é diferente de Caroline, achei que pudesse me divertir com ela, afinal, ela se encontrava na prateleira de uma biblioteca escolar que veio junto com uma leva de livros muito bons.

Não obstante, o tal livro com apenas cento e sessenta páginas exigiu de mim coragem, uma palavra que soa tão bem com Coraline. Para além de minha experiência, na contracapa tem um comentário de Lemony Snicket, autor de Desventuras em série:

“Este livro conta uma história fascinante e perturbadora que quase me matou de susto. A menos que você queira se esconder debaixo de sua cama, com o dedo na boca, tremendo de medo e fazendo toda a espécie de sons estranhos, sugiro que largue o livro devagarinho e vá procurar uma diversão mais leve, algo assim como um crime sem solução, por desvendar.”

O mais interessante na afirmação de Snicket, é seu conselho de ler um crime sem solução e por desvendar como diversão mais leve. Essas histórias possuem seu suspense e um terror, mas em Coraline é diferente. O fantástico como elemento essencial do enredo e um terror que avança por nossa imaginação e atinge nosso psicológico só podem resultar em você se questionando várias vezes durante a história, mas não antes de sentir os pelos de seu corpo eriçarem.

Neil Gaiman, que afirma ter imaginado uma história de poucas páginas para sua filha de cinco anos, construiu um “outro mundo” e permite-nos que o atravessemos sem segurar todo momento nossas mãos, concedendo que nossa mente também trabalhe.

Assim, acompanhamos as aventuras de Coraline, que entediada em sua nova casa, o Palácio Rosa, encontra uma portinha. Durante a noite, a pequena porta deixa de dar a uma parede de tijolos e torna-se passagem para outro mundo. Nesse mundo, habitam um pai mais atencioso e uma mãe que cozinha deliciosas refeições para Coraline, e também todos seus vizinhos que ali são mais interessantes. A menina se depara com um paraíso, mas que faz-lhe algumas exigências e renúncias. Com o tempo e com a ajuda de seus novos vizinhos e claro, não se pode esquecer do gato preto, Coraline percebe que sua outra mãe é uma bruxa egoísta e má.

As ilustrações de Dave Mckean também são cúmplices ao alimentar os assombros, dando mais vida a essa macabra história. Colaborando também em dar vida ao romance,  Henry Selick dirigiu uma animação com técnicas de stop motion intitulada Coraline e o Mundo Secreto, lançada em 2009.

O livro é pequeno, parece ser dedicado ao o público infanto-juvenil, mas não se engane, ao abri-lo, o leitor precisará ser forte para não render-se aos truques da bruxa má e conseguir sair a tempo do outro mundo antes que... Seus olhos tornem-se um par de botões.

Autor: Neil Gaiman

Tradução: Regina de Barros Carvalho

Ilustração: Dave Mckean

Número de páginas: 160

Amarelo é a cor mais forte

    Amarelo das doenças, dos dentes podres, das ramelas dos meninos, da cidade que é hepática. Isso é um pouco do filme de Cláudio Assis, seu primeiro longa-metragem, que retrata as histórias na periferia de Recife.  Feito em 2003 e com um baixo orçamento (não passando de 500 mil),  Amarelo Manga é um dos marcos do cinema nacional.

    Nesse longa, não há o que costumamos ver em filmes brasileiros, como paisagens turísticas, moças belas e atores meramente ilustrativos. O filme é cru, a atuação é cru, as personagens são crus e cruéis. Destaca-se a atuação impecável de um dos melhores atores nacionais, em minha opinião, Matheus Nachtergaele, como Dunga, o homossexual que trabalha no Texas Hotel (olha a ironia) e é apaixonado por Wellington Kanibal. Wellington é um açougueiro, vive sujo de sangue. Personagem que se vangloria de sua esposa, Kika, mulher fiel a ele, como sempre enfatiza em suas falas: Ela é crente, casei com a mulher certa. Entretanto, Kanibal nada santo é, mantém um relacionamento extraconjugal, que ameaça o seu casamento.

            Há muitos personagens a serem explorados, mas trataremos aqui dos principais, como o Isaac, o homem que lambe cadáveres, e depois atira neles só por diversão. Ele é a personificação do mal, não consegue deitar-se com Lígia, mulher forte, que é dona do  bar, e coloca Isaac para fora, a única que o desafia. Lígia é tida como “puta”, porém ninguém conheceu um homem que tenha se deitado com ela. Há em Amarelo manga, um tom ácido de ironia, de desilusão e a pura aversão e a afinidade com a religião.

        Amarelo manga não contém um herói contra um vilão, ou algum mocinho. Todos estão ligados as histórias de suas vidas, suas atitudes correspondem ao que são em seus contextos. A crítica a religião, aparece no começo, quando o próprio Cláudio Assis aparece no filme declamando para Kika: “ o pudor é a forma mais inteligente de perversão”. Outro ícone religioso é o padre, que aparece sempre questionado pelos aflitos, e ao mesmo tempo é a resposta de Deus para as aflições do mundo. Consola sempre Dunga, com respostas de paz.

        Se repararmos no tempo, sempre que é dia, é por só sol, e as luzes se tornam “amarelo manga”, na mesa ou no corpo sempre há um tom Amarelo Manga. A fotografia do filme é impecável, e agradecemos isso ao talentoso Walter carvalho. A trilha sonora impecável, com Fred (mundo livre S/A), Nação Zumbi, Otto. Uma trilha especificamente recifense, cabendo a cada cena do filme.

Amarelo Manga

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=T2rTAXWIpPY

Duração: 1h:41min

Ano:2003

Diretor: Claudio Assis

Roteiro: Hilton lacerda

Fotografia: Walter Carvalho

Trilha Sonora: Jorge Du Peixe

Uma das músicas do filme:

https://www.youtube.com/watch?v=wsGDHX5KRCc

O luto visto por Florbela Espanca

                                                                                                                               Por Rafaely Soares 

O livro As máscaras do destino traz uma série de contos escritos pela Florbela Espanca, totalmente dedicados à morte de seu irmão, que sofreu um acidente de avião. A obra foi escrita logo após a morte dele em 1927, mas foi apenas publicada em 1931, um ano após a morte da poetisa. Devo acrescentar que é um livro totalmente diferente da poetisa, já que se trata de contos.

O livro todo é dedicado ‘’ao seu morto’’ como a autora diz. Em todos os contos nota-se um tom exaltado de dor e sofrimento, especialmente no primeiro conto da obra: O Aviador, que descreve perfeitamente uma visão mítica da morte de seu amado irmão.

Este conto é bastante importante para toda a obra, pois pode ser considerado como o pivô para todos os outros. No decorrer da leitura pode-se notar como a autora transcreveu muito bem todo o seu encanto e amor pelo seu irmão, pois no conto ela o descreve como um anjo, um alguém tão perfeito que ela o compara a vários tipos de seres míticos ou advindo dos contos de fadas. A queda brusca do avião deu lugar ao um lindo anjo caído do céu, com os cabelos loiros reluzentes e as asas machucadas e Florbela descreve a morte como um dormir eterno.

‘Este livro é o livro de um Morto,

este livro é o livro do meu Morto... (pag. 22)

Essa é a dedicatória da obra. Os demais contos envolvem muito amor e uma dor que é totalmente notável, a leitura tanto do O Aviador e dos outros contos é bem complicada, mas com algumas releituras fica bem fácil de compreender.

Conto: O Aviador

Livro: As Máscaras do Destino

Autora: Florbela Espanca

Anna Karenina de Wright e Stoppard: obra ousada e criativa diante do clássico de Tolstói

por Lincoln Felipe Freitas

Mais uma Anna Karenina. A original, do autor russo Liev Tolstói, escrita em 1877; a adaptação, dirigida pelo inglês Joe Wright, de roteiro adaptado por Tom Stoppard e lançada em 2012. Na obra cinematográfica, dita por muitos como subversiva e mal vista por muitos críticos, roteirista e diretor lançam mão, como diferencial que pode conceder independência a sua produção, de um espaço onde o show e teatralidade da alta sociedade é sublinhada, onde as normas e hipocrisias da vida pública são visíveis. As cenas desvelam-se muitas vezes no palco de um teatro, ou então em um auditório onde os assentos foram removidos. Aí, nests espaço, as personagens fantasiadas em trajes que remontam à Rússia Imperial atuam em gestos de dança, movimentos compassados e coreografados, personagens que congelam como bonecos de cera, enquanto as demais em destaque dão continuidade ao enredo. Por vezes vemos as personagens vagando pelas ruas imaginárias de escuros bastidores, entre as cordas e roldanas que controlam o cenário. Esta abordagem dá às cenas, que realmente são definidas no teatro, uma qualidade hiperreal, não deixando de citar que as ações do filme se desenrolem, às vezes, em cenários normais e locais ao ar livre, em uma adaptação regular.

Diria se tratar de um efeito mágico, desafiante, de uma retórica de irrealidade que não impede que o leitor (chamo aqui a quem assite ao filme) absorva a fluidez da proposta da adaptação e crie um íntimo pacto ficcional com a obra, não questionando os parâmetros da execução do enredo do filme. As cenas de grupo muitas vezes fazem o filme parecer um musical sem as canções. Temos o efeito de refoque de nossa atenção ainda mais acentuada para as performances. A lente do filme parece ter sido finamente programada para uma estética daquilo que chamaria de farsa teatral em contraste com as dissimulações sociais retratadas, então quando vemos personagens em performances quase musicais, em gestos leves mas ao mesmo tempo forçados, experimentamos essa realidade da sociedade russa trazida originalmente por Tolstói em Anna Karenina. Não é querer dizer que uma adaptação ao estilo de Orgulho e Preconceito (adaptação de Wright da obra de Jane Austen, bem vista pela crítica) não trouxesse tal efeito à adaptação da obra russa, porém vemos que foi de extrema ousadia e inovação o roteirista e o diretor estabelecerem um enredo de um clássico literário no palco das atuações sociais.

                                             

Keira Knightley é muito boa como Anna, sugerindo uma nova sutileza e maturidade em sua atuação. Ela é a esposa ingênua e mãe, casada com um funcionário do governo, homem de valores, Alexei Karenin. Nessa função, também, Jude Law tem um desempenho completamente inteligente. Barbado e de óculos, ele se comporta como um asceta ou um padre que desaprova, cada vez mais, tanto a fraqueza dos outros, quanto a sua própria tolerância aplicada. Anna vai a Moscou, partindo de sua casa em São Petersburgo, em uma missão de misericórdia a seu irmão Oblonsky (Matthew Macfadyen) que foi pego por sua esposa Dolly (Kelly Macdonald) em um ato de extrema desaprovação, mas perdoável aos homens: um caso extra-conjugal, com a governanta da família. (Oblonsky representa aqui a família infeliz descrita na famosa frase de abertura do livro, em que todas as famílias felizes são iguais, a sua é "infeliz à sua própria maneira".) Anna, com sua delicadeza e tato fala com Dolly e a convence a perdoar e esquecer o erro do marido, que age segundo o “animal do homem”, mantendo assim o casamento. No entanto, através de uma chave de ironia do destino, é nesta visita que ela conhece o jovem oficial do exército, o conde Vronsky, interpretado por Aaron Taylor-Johnson. Há aí uma faísca entre eles, e Anna encontra-se em um caminho terrível, fatal.

A versão cinematográfica também traz a outra metade da história de Tolstói, que diz respeito ao amigo de Oblonsky, Levin, interpretado por Domhnall Gleeson, um idealista rico que veio à cidade para pedir a mão da bela Kitty (Alicia Vikander), que também estava sendo cortejada por Vronsky, por quem julga ser apaixonada. Profundamente ferido e abatido, Levin é forçado a recuar para suas propriedades rurais e encontrar algum consolo em seguir uma vida de simplicidade, perto da terra e com Deus. Sua história é quase tão sensacional e dramática como a de Anna, mesmo sem considerar o mistério de a vida de Levin estar justaposta à da protagonista - eles realmente têm uma conexão no livro, não insinuada na adapatação cinematográfica - a história perde parte de sua perspectiva e seu sabor. Gleeson se sai bem neste papel exigente, embora reduzido.

Como Vronsky, Aaron Taylor-Johnson certamente traz presunção e autoestima inexperiente. Ele até envaidece bem o papel, porém passa para muitos a impressão de ser uma casca vazia atuando em um papel importante. É de se dizer que como em seus filmes anteriores Kick-Ass – Quebrando tudo, de direção de Matthew Vaughn, e o Garoto de Liverpool, de Sam Taylor-Wood, ele é um atrativo, uma presença de atenção, mas o ator ao dar lugar ao conde Vronsky acaba se colocando fora de sua profundidade, especialmente quando ele demonstra aquilo que sugerem ser a sua agonia e sofrimento pelo seu amor a Anna, e ao fato de que ele, assim como ela, fez sacrifícios para o caso dos dois. É dizer que, mesmo propondo uma análise da adaptação como obra independente da literária, considero que a figura de Vronsky, vivida por Aaron, limitou-se a um rosto e um bigode bonitos, com uma arrogância, prepotência e ego que por si sós já dariam cabo da vida de Anna.

                                  

De modo geral, a obra se deita nos trilhos de uma forma um bom tanto desconcertante, nos limites de um teatro, em uma fantasia semipermeável, a partir da qual as personagens citadas acima fazem suas excursões periódicas para o mundo exterior. É provavelmente mais surpreendente quando a cena do hipódromo é realmente realizada dentro desses limites, com os cavalos em movimento e em volta o próprio auditório. Isso é certamente impressionante, embora o público possa se perguntar se tal cena não seria mais bem sucedida em espaço aberto. Observações à parte, em fidelidade à sua proposta, Wright e Stoppard levaram a uma boa realização que desafia ainda mais o leitor. Assim, pode-se dizer que mais bem sucedido e comovente, é o tableau que aparece mais tarde no filme, mostrando o prado suave onde Karenin chega a um acordo com suas memórias, ou, o prado onde Anna teve sua intimidade mais extasiante com Vronsky. Surrealista, milagrosamente, este prado é espalhado sobre o teatro vindo de um espaço a céu aberto; o edifício é coberto de flores. Um sonho de liberdade e contentamento parece espalhar-se para fora em um lugar que até então tinha sido um local de encontro para a ansiedade e infelicidade. Muitos outros pontos poderiam ser observados, mas que caiba aos leitores dessa obra (sim, uma adaptação de intensidade independente à obra do escritor russo), ceder ou não aos desafios lançados pelo célebre diretor. Que algum juízo de valor seja dado, então diria, por fim que a Anna Karenina de Joe Wright e Tom Stoppard não é um sucesso total, mas é uma resposta ousada e criativa para o majestoso romance.

Título: Anna Karenina (2012)

País: Reino Unido

Direção: Joe Wright

Roteiro: Tom Stoppard

Nas acrobacias da imaginação: um retorno ao asteroide  B-612

Mariane Schila.

    A obra de Antoine de Saint-Exupéry “O Pequeno Príncipe” e suas célebres frases são mundialmente conhecidas. Muitas crianças, das pequenas às mais crescidas, conheceram o principezinho. Dizem que a cada leitura tem-se uma nova experiência, algo a ensinar. O filme dirigido por Mark Osborne é um exemplo disso, de que essa história sempre tem espaço nas reflexões de nossas vidas.

Logo nos créditos iniciais as aquarelas de Saint-Exupéry, presentes no livro, aparecem também no longa, o que gera familiaridade. Entretanto, ao contrário do filme lançado em 1974, o roteiro conta com uma história dentro da história por meio de uma garotinha que vive os planos de vida da mãe, indo além das aventuras do principezinho e da amizade dele com o aviador.

Osborne trabalha com contrastes que são evidenciados por meio de jogos de cores e técnicas diferentes para cada história narrada. Assim, traços leves e o stop motion tomam conta da tela quando se fala do Pequeno Príncipe – cenas baseadas no livro – e um gráfico mais realista narra os encontros da menina e do aviador. Detalhes como as casas que habitam a menina e o aviador, a primeira com uma arquitetura retangular e cores acinzentadas enquanto a segunda sem formas precisas e de cores alegres, também a organização da rotina em contraponto a um espaço com muitos objetos e truques, são características que contrastam visualmente os novos amigos.           

Além destes aspectos, apesar dos cabelos brancos e da barba comprida o aviador é todo brincalhão e contando os episódios da história do pequeno príncipe que conhecera no deserto, ele conquista a cada encontro a menininha.

Durante todo o filme, fica-se na ansiedade para que o príncipe apareça. E com a amizade entre o senhor e a jovem garotinha sonhadora, mais uma linda história é tecida, alimentando a nossa curiosidade e expectativa, como quando crianças assistem pela décima vez ao mesmo filme, mas a magia continua!

Além de detalhes e frases do enredo original serem lembrados, a animação traz um príncipe um pouco diferente e retrata um mundo com vaidade e coisas essenciais aos olhos de um homem de negócios. E assim, com a coragem que o ser criança inspira, a história revela sua reflexão e mais uma vez mostra que O Pequeno Príncipe sempre tem algo a nos ensinar: “ser adulto não é o problema, esquecer é que é”.

O Pequeno Príncipe (2015)

País: França

Direção: Mark Osborne

Roteiro: Irena Brignull

Encontrando o Halakavuma

“ O Pangolim tinha medo de perder-me a companhia. E me advertia: você se cautele, Ermelindo: coração que ama engrandece. Mas o amor cresce mais rápido que o peito. Você tem costelas que cheguem?” ( p.118)

Uma frase mágica? Um Pangolim conversando? Esse é o espírito do livro , dividido em 15 capítulos,  “A Varanda do Frangipani” do escritor moçambicano Mia Couto, que trabalha com as singularidades místicas de uma terra pós-colonial, que ainda está sendo descoberta. O livro traz uma mistura de lendas, passados, seres místicos e míticos; Pessoas reais, com passados, presente e futuro, remetem ao leitor uma Moçambique enigmática.

   O narrador é Ermelindo, que é um narrador-personagem ou um xipoco-narrador:

   “Como não me apropriaram funeral fiquei em estado de xipoco, essas almas que vagueiam de paradeiro em desparadeiro” (p.10)

   Ermelindo vive embaixo da Frangipani, quer voltar a terra para poder ser sepultado com dignidade e descansar eternamente. A partir disso, aprece a figura, a meu ver, mais mística e enigmática do livro: O pangolim (mamífero que vive em zonas tropicais africanas) . O único animal que pode transitar entre os dois mundos e que faz a ligação entre Ermelindo e o mundo físico. Segundo a lenda local de Moçambique, quando um pangolim aparece é porque algo positivo ou negativo acontecerá.Eles o chamam de “Halakavuma”: um mensageiro dos deuses e defuntos. O escritor português escreveu muito bem sobre esse ser:

    “ Há alguém que desconheça os poderes deste bicho de escamas, o nosso Halakavuma. Pois este mamífero mora com os falecidos, desce dos céus aquando das chuvadas. Tomba na terra para entregar novidades ao mundo.”

O Halakavuma, quer ressuscitar o xipoco fazendo tomar o corpo de Izedine, um policial moçambicano (que irá para o asilo), onde está a Frangipani, para descobrir o assassinato de Excelêncio. O policial é a personificação de uma moçambique que não crê em lendas e perdeu o contato com o povo, tornando-se colonizado e deixando o passado do país. A principal crítica a isso, é Marta, a enfermeira do asilo, que sofreu com as consequências da guerra no país, e faz duras críticas a Izidine, e seu ceticismo:

 “O culpado que você procura, caro Izidine, não é uma pessoa. É a guerra. Todas as culpas são da guerra”. (p.121).

    Os capítulos do livro são uma mistura de relato dos idosos, sobre a morte do inspetor, junto com os dias de vida de Ermelindo, que narra tudo através do que vê pelo corpo possuído. Os depoimentos dos “velhos” são míticos. Eles carregam o mito consigo. Marta e Izidine são as marcas do presente. Segue um trecho do depoimento de Nãozinha, a feiticeira que acredita que o helicóptero seja uma cobra das tempestades:

“ Sou Nãozinha, a feiticeira. Minhas lembranças são custosas de chamar. Não peça para para desenterrar passados. A serpente engole a própria saliva?  {…}

Primeiro, lhe digo: Não devíamos falar assim de noite. Quando se contam coisas nos escuro é que nascem mochos.” (p.77)  (Mochos são  pássaros da morte que lembram uma coruja)

    Não falamos aqui de um romance policial, político ou fantástico. A Varanda do Frangipani é uma obra singular, de um escritor original, que rebusca a cada página o passado, o presente e o possível futuro de um país.

   Com diálogos peculiares, que dão vida as personagens, cada página é uma história que deve ser guardada pelo leitor, que toma a sua própria interpretação. Esse livro é um marco, a meu ver, a literatura pós-colonial, para quem busca novas descobertas, novas culturas e linguagens. Leitura essencial e indispensável.

Onde comprar:

 Livrarias e sebos, não é difícil de encontrar e custa em torno de 19 a 35 reais.

 

Sobre Mia Couto

https://www.youtube.com/watch?v=ahb9bEoNZaU

http://www.miacouto.org/