Amarelo é a cor mais forte

    Amarelo das doenças, dos dentes podres, das ramelas dos meninos, da cidade que é hepática. Isso é um pouco do filme de Cláudio Assis, seu primeiro longa-metragem, que retrata as histórias na periferia de Recife.  Feito em 2003 e com um baixo orçamento (não passando de 500 mil),  Amarelo Manga é um dos marcos do cinema nacional.

    Nesse longa, não há o que costumamos ver em filmes brasileiros, como paisagens turísticas, moças belas e atores meramente ilustrativos. O filme é cru, a atuação é cru, as personagens são crus e cruéis. Destaca-se a atuação impecável de um dos melhores atores nacionais, em minha opinião, Matheus Nachtergaele, como Dunga, o homossexual que trabalha no Texas Hotel (olha a ironia) e é apaixonado por Wellington Kanibal. Wellington é um açougueiro, vive sujo de sangue. Personagem que se vangloria de sua esposa, Kika, mulher fiel a ele, como sempre enfatiza em suas falas: Ela é crente, casei com a mulher certa. Entretanto, Kanibal nada santo é, mantém um relacionamento extraconjugal, que ameaça o seu casamento.

            Há muitos personagens a serem explorados, mas trataremos aqui dos principais, como o Isaac, o homem que lambe cadáveres, e depois atira neles só por diversão. Ele é a personificação do mal, não consegue deitar-se com Lígia, mulher forte, que é dona do  bar, e coloca Isaac para fora, a única que o desafia. Lígia é tida como “puta”, porém ninguém conheceu um homem que tenha se deitado com ela. Há em Amarelo manga, um tom ácido de ironia, de desilusão e a pura aversão e a afinidade com a religião.

        Amarelo manga não contém um herói contra um vilão, ou algum mocinho. Todos estão ligados as histórias de suas vidas, suas atitudes correspondem ao que são em seus contextos. A crítica a religião, aparece no começo, quando o próprio Cláudio Assis aparece no filme declamando para Kika: “ o pudor é a forma mais inteligente de perversão”. Outro ícone religioso é o padre, que aparece sempre questionado pelos aflitos, e ao mesmo tempo é a resposta de Deus para as aflições do mundo. Consola sempre Dunga, com respostas de paz.

        Se repararmos no tempo, sempre que é dia, é por só sol, e as luzes se tornam “amarelo manga”, na mesa ou no corpo sempre há um tom Amarelo Manga. A fotografia do filme é impecável, e agradecemos isso ao talentoso Walter carvalho. A trilha sonora impecável, com Fred (mundo livre S/A), Nação Zumbi, Otto. Uma trilha especificamente recifense, cabendo a cada cena do filme.

Amarelo Manga

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=T2rTAXWIpPY

Duração: 1h:41min

Ano:2003

Diretor: Claudio Assis

Roteiro: Hilton lacerda

Fotografia: Walter Carvalho

Trilha Sonora: Jorge Du Peixe

Uma das músicas do filme:

https://www.youtube.com/watch?v=wsGDHX5KRCc

O luto visto por Florbela Espanca

                                                                                                                               Por Rafaely Soares 

O livro As máscaras do destino traz uma série de contos escritos pela Florbela Espanca, totalmente dedicados à morte de seu irmão, que sofreu um acidente de avião. A obra foi escrita logo após a morte dele em 1927, mas foi apenas publicada em 1931, um ano após a morte da poetisa. Devo acrescentar que é um livro totalmente diferente da poetisa, já que se trata de contos.

O livro todo é dedicado ‘’ao seu morto’’ como a autora diz. Em todos os contos nota-se um tom exaltado de dor e sofrimento, especialmente no primeiro conto da obra: O Aviador, que descreve perfeitamente uma visão mítica da morte de seu amado irmão.

Este conto é bastante importante para toda a obra, pois pode ser considerado como o pivô para todos os outros. No decorrer da leitura pode-se notar como a autora transcreveu muito bem todo o seu encanto e amor pelo seu irmão, pois no conto ela o descreve como um anjo, um alguém tão perfeito que ela o compara a vários tipos de seres míticos ou advindo dos contos de fadas. A queda brusca do avião deu lugar ao um lindo anjo caído do céu, com os cabelos loiros reluzentes e as asas machucadas e Florbela descreve a morte como um dormir eterno.

‘Este livro é o livro de um Morto,

este livro é o livro do meu Morto... (pag. 22)

Essa é a dedicatória da obra. Os demais contos envolvem muito amor e uma dor que é totalmente notável, a leitura tanto do O Aviador e dos outros contos é bem complicada, mas com algumas releituras fica bem fácil de compreender.

Conto: O Aviador

Livro: As Máscaras do Destino

Autora: Florbela Espanca

Anna Karenina de Wright e Stoppard: obra ousada e criativa diante do clássico de Tolstói

por Lincoln Felipe Freitas

Mais uma Anna Karenina. A original, do autor russo Liev Tolstói, escrita em 1877; a adaptação, dirigida pelo inglês Joe Wright, de roteiro adaptado por Tom Stoppard e lançada em 2012. Na obra cinematográfica, dita por muitos como subversiva e mal vista por muitos críticos, roteirista e diretor lançam mão, como diferencial que pode conceder independência a sua produção, de um espaço onde o show e teatralidade da alta sociedade é sublinhada, onde as normas e hipocrisias da vida pública são visíveis. As cenas desvelam-se muitas vezes no palco de um teatro, ou então em um auditório onde os assentos foram removidos. Aí, nests espaço, as personagens fantasiadas em trajes que remontam à Rússia Imperial atuam em gestos de dança, movimentos compassados e coreografados, personagens que congelam como bonecos de cera, enquanto as demais em destaque dão continuidade ao enredo. Por vezes vemos as personagens vagando pelas ruas imaginárias de escuros bastidores, entre as cordas e roldanas que controlam o cenário. Esta abordagem dá às cenas, que realmente são definidas no teatro, uma qualidade hiperreal, não deixando de citar que as ações do filme se desenrolem, às vezes, em cenários normais e locais ao ar livre, em uma adaptação regular.

Diria se tratar de um efeito mágico, desafiante, de uma retórica de irrealidade que não impede que o leitor (chamo aqui a quem assite ao filme) absorva a fluidez da proposta da adaptação e crie um íntimo pacto ficcional com a obra, não questionando os parâmetros da execução do enredo do filme. As cenas de grupo muitas vezes fazem o filme parecer um musical sem as canções. Temos o efeito de refoque de nossa atenção ainda mais acentuada para as performances. A lente do filme parece ter sido finamente programada para uma estética daquilo que chamaria de farsa teatral em contraste com as dissimulações sociais retratadas, então quando vemos personagens em performances quase musicais, em gestos leves mas ao mesmo tempo forçados, experimentamos essa realidade da sociedade russa trazida originalmente por Tolstói em Anna Karenina. Não é querer dizer que uma adaptação ao estilo de Orgulho e Preconceito (adaptação de Wright da obra de Jane Austen, bem vista pela crítica) não trouxesse tal efeito à adaptação da obra russa, porém vemos que foi de extrema ousadia e inovação o roteirista e o diretor estabelecerem um enredo de um clássico literário no palco das atuações sociais.

                                             

Keira Knightley é muito boa como Anna, sugerindo uma nova sutileza e maturidade em sua atuação. Ela é a esposa ingênua e mãe, casada com um funcionário do governo, homem de valores, Alexei Karenin. Nessa função, também, Jude Law tem um desempenho completamente inteligente. Barbado e de óculos, ele se comporta como um asceta ou um padre que desaprova, cada vez mais, tanto a fraqueza dos outros, quanto a sua própria tolerância aplicada. Anna vai a Moscou, partindo de sua casa em São Petersburgo, em uma missão de misericórdia a seu irmão Oblonsky (Matthew Macfadyen) que foi pego por sua esposa Dolly (Kelly Macdonald) em um ato de extrema desaprovação, mas perdoável aos homens: um caso extra-conjugal, com a governanta da família. (Oblonsky representa aqui a família infeliz descrita na famosa frase de abertura do livro, em que todas as famílias felizes são iguais, a sua é "infeliz à sua própria maneira".) Anna, com sua delicadeza e tato fala com Dolly e a convence a perdoar e esquecer o erro do marido, que age segundo o “animal do homem”, mantendo assim o casamento. No entanto, através de uma chave de ironia do destino, é nesta visita que ela conhece o jovem oficial do exército, o conde Vronsky, interpretado por Aaron Taylor-Johnson. Há aí uma faísca entre eles, e Anna encontra-se em um caminho terrível, fatal.

A versão cinematográfica também traz a outra metade da história de Tolstói, que diz respeito ao amigo de Oblonsky, Levin, interpretado por Domhnall Gleeson, um idealista rico que veio à cidade para pedir a mão da bela Kitty (Alicia Vikander), que também estava sendo cortejada por Vronsky, por quem julga ser apaixonada. Profundamente ferido e abatido, Levin é forçado a recuar para suas propriedades rurais e encontrar algum consolo em seguir uma vida de simplicidade, perto da terra e com Deus. Sua história é quase tão sensacional e dramática como a de Anna, mesmo sem considerar o mistério de a vida de Levin estar justaposta à da protagonista - eles realmente têm uma conexão no livro, não insinuada na adapatação cinematográfica - a história perde parte de sua perspectiva e seu sabor. Gleeson se sai bem neste papel exigente, embora reduzido.

Como Vronsky, Aaron Taylor-Johnson certamente traz presunção e autoestima inexperiente. Ele até envaidece bem o papel, porém passa para muitos a impressão de ser uma casca vazia atuando em um papel importante. É de se dizer que como em seus filmes anteriores Kick-Ass – Quebrando tudo, de direção de Matthew Vaughn, e o Garoto de Liverpool, de Sam Taylor-Wood, ele é um atrativo, uma presença de atenção, mas o ator ao dar lugar ao conde Vronsky acaba se colocando fora de sua profundidade, especialmente quando ele demonstra aquilo que sugerem ser a sua agonia e sofrimento pelo seu amor a Anna, e ao fato de que ele, assim como ela, fez sacrifícios para o caso dos dois. É dizer que, mesmo propondo uma análise da adaptação como obra independente da literária, considero que a figura de Vronsky, vivida por Aaron, limitou-se a um rosto e um bigode bonitos, com uma arrogância, prepotência e ego que por si sós já dariam cabo da vida de Anna.

                                  

De modo geral, a obra se deita nos trilhos de uma forma um bom tanto desconcertante, nos limites de um teatro, em uma fantasia semipermeável, a partir da qual as personagens citadas acima fazem suas excursões periódicas para o mundo exterior. É provavelmente mais surpreendente quando a cena do hipódromo é realmente realizada dentro desses limites, com os cavalos em movimento e em volta o próprio auditório. Isso é certamente impressionante, embora o público possa se perguntar se tal cena não seria mais bem sucedida em espaço aberto. Observações à parte, em fidelidade à sua proposta, Wright e Stoppard levaram a uma boa realização que desafia ainda mais o leitor. Assim, pode-se dizer que mais bem sucedido e comovente, é o tableau que aparece mais tarde no filme, mostrando o prado suave onde Karenin chega a um acordo com suas memórias, ou, o prado onde Anna teve sua intimidade mais extasiante com Vronsky. Surrealista, milagrosamente, este prado é espalhado sobre o teatro vindo de um espaço a céu aberto; o edifício é coberto de flores. Um sonho de liberdade e contentamento parece espalhar-se para fora em um lugar que até então tinha sido um local de encontro para a ansiedade e infelicidade. Muitos outros pontos poderiam ser observados, mas que caiba aos leitores dessa obra (sim, uma adaptação de intensidade independente à obra do escritor russo), ceder ou não aos desafios lançados pelo célebre diretor. Que algum juízo de valor seja dado, então diria, por fim que a Anna Karenina de Joe Wright e Tom Stoppard não é um sucesso total, mas é uma resposta ousada e criativa para o majestoso romance.

Título: Anna Karenina (2012)

País: Reino Unido

Direção: Joe Wright

Roteiro: Tom Stoppard

Nas acrobacias da imaginação: um retorno ao asteroide  B-612

Mariane Schila.

    A obra de Antoine de Saint-Exupéry “O Pequeno Príncipe” e suas célebres frases são mundialmente conhecidas. Muitas crianças, das pequenas às mais crescidas, conheceram o principezinho. Dizem que a cada leitura tem-se uma nova experiência, algo a ensinar. O filme dirigido por Mark Osborne é um exemplo disso, de que essa história sempre tem espaço nas reflexões de nossas vidas.

Logo nos créditos iniciais as aquarelas de Saint-Exupéry, presentes no livro, aparecem também no longa, o que gera familiaridade. Entretanto, ao contrário do filme lançado em 1974, o roteiro conta com uma história dentro da história por meio de uma garotinha que vive os planos de vida da mãe, indo além das aventuras do principezinho e da amizade dele com o aviador.

Osborne trabalha com contrastes que são evidenciados por meio de jogos de cores e técnicas diferentes para cada história narrada. Assim, traços leves e o stop motion tomam conta da tela quando se fala do Pequeno Príncipe – cenas baseadas no livro – e um gráfico mais realista narra os encontros da menina e do aviador. Detalhes como as casas que habitam a menina e o aviador, a primeira com uma arquitetura retangular e cores acinzentadas enquanto a segunda sem formas precisas e de cores alegres, também a organização da rotina em contraponto a um espaço com muitos objetos e truques, são características que contrastam visualmente os novos amigos.           

Além destes aspectos, apesar dos cabelos brancos e da barba comprida o aviador é todo brincalhão e contando os episódios da história do pequeno príncipe que conhecera no deserto, ele conquista a cada encontro a menininha.

Durante todo o filme, fica-se na ansiedade para que o príncipe apareça. E com a amizade entre o senhor e a jovem garotinha sonhadora, mais uma linda história é tecida, alimentando a nossa curiosidade e expectativa, como quando crianças assistem pela décima vez ao mesmo filme, mas a magia continua!

Além de detalhes e frases do enredo original serem lembrados, a animação traz um príncipe um pouco diferente e retrata um mundo com vaidade e coisas essenciais aos olhos de um homem de negócios. E assim, com a coragem que o ser criança inspira, a história revela sua reflexão e mais uma vez mostra que O Pequeno Príncipe sempre tem algo a nos ensinar: “ser adulto não é o problema, esquecer é que é”.

O Pequeno Príncipe (2015)

País: França

Direção: Mark Osborne

Roteiro: Irena Brignull

Encontrando o Halakavuma

“ O Pangolim tinha medo de perder-me a companhia. E me advertia: você se cautele, Ermelindo: coração que ama engrandece. Mas o amor cresce mais rápido que o peito. Você tem costelas que cheguem?” ( p.118)

Uma frase mágica? Um Pangolim conversando? Esse é o espírito do livro , dividido em 15 capítulos,  “A Varanda do Frangipani” do escritor moçambicano Mia Couto, que trabalha com as singularidades místicas de uma terra pós-colonial, que ainda está sendo descoberta. O livro traz uma mistura de lendas, passados, seres místicos e míticos; Pessoas reais, com passados, presente e futuro, remetem ao leitor uma Moçambique enigmática.

   O narrador é Ermelindo, que é um narrador-personagem ou um xipoco-narrador:

   “Como não me apropriaram funeral fiquei em estado de xipoco, essas almas que vagueiam de paradeiro em desparadeiro” (p.10)

   Ermelindo vive embaixo da Frangipani, quer voltar a terra para poder ser sepultado com dignidade e descansar eternamente. A partir disso, aprece a figura, a meu ver, mais mística e enigmática do livro: O pangolim (mamífero que vive em zonas tropicais africanas) . O único animal que pode transitar entre os dois mundos e que faz a ligação entre Ermelindo e o mundo físico. Segundo a lenda local de Moçambique, quando um pangolim aparece é porque algo positivo ou negativo acontecerá.Eles o chamam de “Halakavuma”: um mensageiro dos deuses e defuntos. O escritor português escreveu muito bem sobre esse ser:

    “ Há alguém que desconheça os poderes deste bicho de escamas, o nosso Halakavuma. Pois este mamífero mora com os falecidos, desce dos céus aquando das chuvadas. Tomba na terra para entregar novidades ao mundo.”

O Halakavuma, quer ressuscitar o xipoco fazendo tomar o corpo de Izedine, um policial moçambicano (que irá para o asilo), onde está a Frangipani, para descobrir o assassinato de Excelêncio. O policial é a personificação de uma moçambique que não crê em lendas e perdeu o contato com o povo, tornando-se colonizado e deixando o passado do país. A principal crítica a isso, é Marta, a enfermeira do asilo, que sofreu com as consequências da guerra no país, e faz duras críticas a Izidine, e seu ceticismo:

 “O culpado que você procura, caro Izidine, não é uma pessoa. É a guerra. Todas as culpas são da guerra”. (p.121).

    Os capítulos do livro são uma mistura de relato dos idosos, sobre a morte do inspetor, junto com os dias de vida de Ermelindo, que narra tudo através do que vê pelo corpo possuído. Os depoimentos dos “velhos” são míticos. Eles carregam o mito consigo. Marta e Izidine são as marcas do presente. Segue um trecho do depoimento de Nãozinha, a feiticeira que acredita que o helicóptero seja uma cobra das tempestades:

“ Sou Nãozinha, a feiticeira. Minhas lembranças são custosas de chamar. Não peça para para desenterrar passados. A serpente engole a própria saliva?  {…}

Primeiro, lhe digo: Não devíamos falar assim de noite. Quando se contam coisas nos escuro é que nascem mochos.” (p.77)  (Mochos são  pássaros da morte que lembram uma coruja)

    Não falamos aqui de um romance policial, político ou fantástico. A Varanda do Frangipani é uma obra singular, de um escritor original, que rebusca a cada página o passado, o presente e o possível futuro de um país.

   Com diálogos peculiares, que dão vida as personagens, cada página é uma história que deve ser guardada pelo leitor, que toma a sua própria interpretação. Esse livro é um marco, a meu ver, a literatura pós-colonial, para quem busca novas descobertas, novas culturas e linguagens. Leitura essencial e indispensável.

Onde comprar:

 Livrarias e sebos, não é difícil de encontrar e custa em torno de 19 a 35 reais.

 

Sobre Mia Couto

https://www.youtube.com/watch?v=ahb9bEoNZaU

http://www.miacouto.org/